Яркий череп, ставший самой дорогой картиной «чёрного Пикассо», и другие картины Баскии. Тайные знаки картины баския Жан мишель баския jackson

Жан-Мишель Баския родился 22 декабря 1960 года в Нью-Йорке, США, умер в 1988 году - американский художник.

Баския родился в Нью-Йорке - в Бруклине. У него было две младшие сестры. Его мать, Матильда, была из Пуэрто-Рико, а отец, Джерард, имел гаитянские корни. Благодаря этому Мишель с детства свободно говорил на французском, испанском и английском языках, читал книги, в том числе поэзию символистов, мифы и историю. Уже в раннем возрасте он проявил способности к искусству, и его мать поощряла эти стремления. Его отец был успешным экономистом. Ему принадлежало здание на Пасифик-Стрит, где жила его семья. В возрасте шести лет Баскиа стал юным членом совета Бруклинского музея.

В сентябре 1968 года в возрасте восьми лет Баския был сбит машиной во время игры на улице. У него была сломана рука и повреждено несколько внутренних органов, в итоге он перенес операцию по удалению селезенки. Пока он выздоравливал от полученных ран, чтобы занять его, мать принесла ему книгу Анатомия Грея. Эта книга оказала значительное влияние на его будущее художественное видение. В том же году его родители развелись, и он с сестрами остался с отцом. Они прожили в Бруклине пять лет, а затем переехали Пуэрто-Рико в 1974 году. Еще через два года они вернулись в Нью-Йорк.

Когда Баския было 11, его мать была помещена в психиатрическую клинику. В 15 лет Баския убежал из дома. Он ночевал на скамейке в парке Вашингтон-сквер и в течение недели был арестован и возвращен на попечение отца. Баския был отчислен из десятого класса Высшей школы Эдварда Р. Марроу. Тогда отец выгнал его из дома и, он жил с друзьями, подрабатывая продажей футболок и открыток на улице. Так же он работал в Unique Clothing Warehouse в Западном Бродвее, Манхеттен.

В 1976 году Баския и его друг Al Diaz начали рисовать граффити на стенах зданий в Нижнем Манхеттене, подписываясь «SAMO» или «SAMO shit». Изображения состояли из содержательных фраз, смысл которых сложно перевести на русский язык, например, «Plush safe he think.. SAMO» («Он думает, что плюш оберегает (его). SAMO») или «SAMO as an escape clause» («SAMO как условие отрицания»). 11 декабря 1978 в Village Voice была опубликована статья article об этих надписях. Когда закончилась дружба Баския и Al Diaz проект так же закончился эпитафией «SAMO IS DEAD» («SAMO мертв») в 1979 году.

В 1979 году Баския появился в прямом эфире общественного кабельного телевидения на шоу TV Party, ведущим которого был Глен О’Брайен, так они подружились. Баския регулярно появлялся на шоу в течение следующих нескольких лет. В тот же 1979 год Баския собрал группу Test Pattern, играющую нойз-рок, экспериментальное ответвление панк-рока. Позже группа была переименована в Gray и выступала в различных клубах Манхеттена. Gray так же включала Шеннона Доусона, Майкла Холмана, Ника Тейлора, Уэйна Клиффорда и Винсента Галло. Они выступали в ночных клубах, таких как Max"s Kansas City, CBGB, Hurrah и the Mudd Club. В 1980 году Баския снялся в независимом кино Downtown 81 О"Брайена, первоначально фильм назывался New York Beat. В тот же год Баския встретил Энди Уорхола, в ресторане. Баския представил Уорхолу примеры своих работ, Уорхол был потрясен гениальностью и обаянием Баския. Они вместе создали много совместных работ. Они работали вместе, влияли на творчество друг друга. Их отношения продолжались до смерти Уорхола в 1987 году.

В июне 1980 Баския принимает участие в The Times Square Show, коллективной выставке художников. В 1981, поэт и арт-критик Рене Ричард (Rene Ricard) опубликовал статью «The Radiant Child» в журнале Артфорум, которая способствовала международной карьере Баския.

К концу 1982 года Баскиа приехал в Лос-Анджелес, чтобы немного отдохнуть. Всего год назад ему удавалось держаться на плаву благодаря своим щедрым подружкам, а теперь он сам снимал студию у Ларри Гагосяна стоимостью 2500 долларов в месяц. В том году он написал свою знаменитую картину в оттенках желтого “Hollywood Africans” , которая сейчас находится в коллекции Музея Уитни.

“Hollywood Africans”, 1982

В ее центре расположены три фигуры – автопортрет и карикатурные изображения художников граффити RAMMELLZEE и TOXIC, которых он привез с собой за Западное побережье. В документальном фильме Тамры Дэвис «Лучезарное дитя» (The Radiant Child), дилер Фред Хоффман описывает, как принимали Баскиа в Лос-Анджелесе. Из этого текста становится ясно, какой опыт послужил источником вдохновения этой картины:

«Около 10 часов вечера я стоял в лобби ресторана Spago в ожидании места. Вслед за Ларри Гагосяном вошли Жан-Мишель, RAMMELLZEE и FAB 5 FREDDY, и в зале воцарилась полная тишина. Я хочу сказать, что эти трое молодых чернокожих парней были один симпатичнее другого. Не знаю, что думали люди – может, они считали, что это какие-то супер новые голливудские звезды или им показалось, что их сейчас ограбят. Но в зале просто повисла мертвенная тишина. Это была фантастика».

С 1982 Баския регулярно выставляется с Джулианом Шнабелем, Дэвидом Салле, Франческо Клементе и Энцо Кукки, группой художников, которую арт-критики, кураторы и коллекционеры вскоре назовут неоэкспрессионистами.

В 1982 году Баския некоторое время работал с музыкантом и художником Дэвидом Боуи.

Сингл "Beat Bop", 1983

В 1983 году Баския выпустил 12 минутный рэп сингл с участием хип-хоп исполнителей - Rammellzee и K-Rob, сингл включал две версии одного трека: "Beat Bop" с вокалом на одной стороне и инструментальную версию "Beat Bop" на другой. Сингл был выпущен ограниченным тиражом одноразовым лейблом Tartown Record Company. Упаковка сингла известна работой Баския, что делает его желанной вещью, как среди коллекционеров записей, так и коллекционеров искусства. Благодаря предложению швейцарского дилера Bruno Bischofberger, Уорхол и Баския работали над совместной серией картин в период между 1983 и 1985 годами. В работе Olympic Rings (1985), Уорхол сделал несколько вариантов олимпийских колец, окрашенные в оригинальные исходные цвета. Баския ответил абстракцией, стилизовал этот логотип в свой граффити стиль.

Баския часто рисовал в дорогих костюмах Армани и даже появлялся на публике в этих забрызганных краской костюмах.

В 1986 году Баския выставляется в знаминитой галерее Mary Boone в Сохо. 10 февраля 1985 года он появился на обложке журнала The New York Times Magazine с заголовком "New Art, New Money: The Marketing of an American Artist". С 1984 многие друзья Баския начинают отмечать его всё более странное поведение, вызванное приёмом наркотиков. Баския пристрастился к героину в годы жизни среди уличных художников Нью-Йорка.

В апреле 1988 года у Баскиа открылась первая персональная выставка в нью-йоркской галерее at Vrej Baghoomian Gallery.

Среди его работ была “Riding With Death”. Здесь нет безумного текста, характерного для его творчества; словно он пытается успокоиться, очистить свой внутренний взор. В центре картины изображена единственная человеческая темнокожая фигура, скрученная и одинокая. Она сидит верхом на скелете лошадки. Возможно, это визуальная отсылка к сленговую словечку «лошадка», обозначающее наркотик, который всего четыре месяца спустя, в августе 1988, унесет его жизнь.

“Riding With Death”, 1988

На фоне картины изображено плоское и безликое поле золотистого цвета. Оно может символизировать что-то святое, лучшую жизнь, к которой стремился художник. Но этот фон может быть и символом культуры гламура и денег, в которую он погружался. Сложно сказать, благословение это или проклятие, и это делает эту историю особенно печальной.

Когда умер Энди Уорхол – 22 февраля 1987 года, Баския все более обособляется, и его героиновая зависимость и депрессия становятся сильнее. Несмотря на попытки воздержания в течение поездки в Мауи, Гавайи, Баския умирает 12 августа 1988 года от передозировки героина в своей художественной студии на улице Great Jones в Нью-Йорке. Ему было 27. Баския был похоронен на кладбище Green-Wood в Бруклине.

Творчество Баския можно условно разделить на три периода. В ранний период, с 1980 по 1982, он часто изображает скелеты и маскообразные лица, в чем выражается его необычайный интерес к смертности. Другие наиболее частые образы: автомобили, здания, полиция, игры детей на тротуаре и граффити, пришедшие из его опыта рисования на улицах города. Средний период, с конца 1982 по 1985 год отмечен интересом Баския к его гаитянским корням. Последний период, с 1986 до смерти в 1988, отмечен новой манерой и новыми образами.

Искусство Баскиа излучает жизненную энергию – он работал быстро, и рисовал везде, на всех поверхностях, которые его окружали – и своей бесконечной привлекательностью оно во многом обязано легенде о спонтанности художника, не сдерживаемой самоцензурой. Но если вы приглядитесь, вы увидите, что почти все работы Баскиа являются отпечатками его болезненного сознания. Эта живопись аллегорична, она рассказывает не о черной расе в целом, а о сложном статус Баскиа, который существовал между двумя общинами, среди ожиданий, которым он не мог соответствовать. На самом деле, если вы будете верно интерпретировать его работы, вы увидите, что они были резким обвинением в адрес той самой публики, которая его так охотно приняла, и славы, пришедшей к художнику, чтобы его погубить.

“Eyes and Eggs”, 1983

Возьмем, к примеру картину выставки Гагосяна, например, “Eyes and Eggs” (1983) . На ней, в типичном экспрессионистическом стиле Баскиа, изображен измученный темнокожий человек. (Человеческие фигуры словно подверглись излучению какой-то рентгеновской машины, их тела деформированы, разворочены, через кожу видны зубы и ребра, гениталии отделены от тела). На комбинезоне человека написано его имя – JOE. В руках он держит сковородку, на которой разбито два яйца. Их кроваво-красные желтки визуально рифмуются со сверкающими глазницами черепа. Название картины дает понять, что на самом деле герой делает омлет из собственных глаз. Эта работа не только привлекает взгляд своим мрачным сюжетом, ожидающим своего арт-критика, но является чем-то гораздо более сложным. Фигура здесь является одновременно субъектом и объектом; изображенный герой берет свое видение, свое собственное восприятие мира и делает из него яичницу, которой угощает постоянных зрителей.

После недолгого увлечения граффити, к Баскиа пришла слава. Граффити было основной арт-формой безденежного Нью-Йорка 70-х годов. Однако Баскиа никогда не был частью граффити тусовки в Бронксе. Его работы в стрит-арте недвусмысленно предназначались для жителей Сохо, что означает, что искусство в основном привлекало внимание креативного класса, жившего в центре. Это сработало. Всего за два года в начале 80-х Баскиа прошел путь от неординарного райтера, известного под именем SAMO, до участника до галерейных выставок, цены на работы которого составляли сотни тысяч долларов.

Все, кто встречал Баскиа, отмечали его амбициозность, его стремление заявить о собственных творческих устремлениях (его символикой, и символом копирайта, которым он помечал все вокруг себя была корона). Когда он обратился к живописи на холсте, он сохранил свой нервный стиль, подсказанный граффити, но приправленный референциями на темы классического искусства.

Баскиа мог видеть, что СМИ в основном интересовались его физиогномикой, а не его искусством. В 1985 году его совместная выставка с Уорхолом подверглась резкой критике, у него было ощущение, что он был какой-то модой, время которой уже почти истекло.

Как у художника, у него было очень острое ощущение того, что всегда находится на сцене, всегда играет роль; в конце концов, его первые холсты на подрамниках были созданы для фильма 1981 года, в котором он сыграл роль художника-неудачника. Это дает представление о том, как недолго он жил в созданной им самим мифологии. Наркотики помогали ему сконцентрироваться и соответствовать требованиям, которые предъявлял к нему арт-рынок. Они были частью образа раблезианского художника-мученика, легенды, которая, насколько это было ему известно, оставалась двигателем его успеха. «Люди говорят мне, что я должен бросить наркотики, – должен был он заметить, – и, потом, когда я это делаю, они говорят, что это может сказаться на моем творчестве».

Jean-Michel Basquiat , 22 декабря , Нью-Йорк - 12 августа , там же) - американский художник. Прославился сначала как граффити -художник в Нью-Йорке , а затем, в 1980-х годах, как очень успешный неоэкспрессионист .

Биография

Баския родился в Нью-Йорке - в Бруклине . Его мать, Матильда, была из Пуэрто-Рико, а отец, Джерард, имел гаитянские корни. Благодаря этому Мишель с детства свободно говорил на французском, испанском и английском языках, читал книги, в том числе поэзию символистов, мифы и историю. Уже в раннем возрасте он проявил способности к искусству, и его мать поощряла эти стремления.

В 1977 году, в возрасте 17 лет, Баския и его друг Al Diaz начали рисовать граффити на стенах зданий в Манхеттене, подписываясь SAMO или SAMO shit . Изображения состояли из содержательных фраз, смысл которых сложно перевести на русский язык, например, Plush safe he think.. SAMO («Он думает, что плюш оберегает [его]. SAMO») или SAMO as an escape clause («SAMO как условие отрицания»). В декабре 1978 года в Village Voice была опубликована статья (article) об этих надписях. Проект закончился эпитафией SAMO IS DEAD («SAMO мертв»). В 1978 году, Баския покидает дом, живёт с друзьями, подрабатывая продажей футболок и открыток на улице. Также в конце семидесятых Баския с товарищами организует группу Gray, которая играет в различных клубах Манхеттена.

В июне 1980 года Баския принимает участие в The Times Square Show , коллективной выставке художников. В 1981 году, поэт и арт-критик Рене Ричард (Rene Ricard ) опубликовал статью The Radiant Child в журнале Artforum , которая способствовала международной карьере Баския. На протяжении нескольких следующих лет Баския продолжает выставлять свои работы в Нью-Йорке. С 1982 Баския регулярно выставляется с Джулианом Шнабелем , Дэвидом Салле , Франческо Клементе и Энцо Кукки , группой художников, которую арт-критики, кураторы и коллекционеры вскоре назовут неоэкспрессионистами.

В 1982 году Баския познакомился с Энди Уорхолом и они вместе создали много совместных работ. Они работали вместе, влияли на творчество друг друга. Их отношения продолжались до смерти Уорхола в 1987 году.

Последние годы и смерть

С 1984 многие друзья Баския начинают отмечать его всё более странное поведение, вызванное приёмом наркотиков. Баския пристрастился к героину в годы жизни среди уличных художников Нью-Йорка. В 1985 году Баския появился на обложке The New York Times Magazine .

Жан-Мишель Баския умер от отравления наркотиками (он смешал кокаин и героин) в своей студии в 1988 году. Похоронен на кладбище Грин-Вуд в Нью-Йорке .

Творческие периоды

Творчество Баския можно условно разделить на три периода. В ранний период, с 1980 по 1982 год, он часто изображает скелеты и маскообразные лица, в чём выражается его необычайный интерес к смертности. Другие наиболее частые образы: автомобили, здания, полиция, игры детей на тротуаре и граффити, пришедшие из его опыта рисования на улицах города. Средний период, с конца 1982 по 1985 год отмечен интересом Баския к его гаитянским корням. Последний период, с 1986 года до смерти в 1988 году, отмечен новой манерой и новыми образами.

Жан-Мишель Баския (англ. Jean-Michel Basquiat, 22 декабря 1960, Нью-Йорк, США - 12 августа 1988, Нью-Йорк, США) - американский художник. Прославился сначала как граффити-художник в Нью-Йорке, а затем, в 1980-х, как очень успешный неоэкспрессионист.

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Баския родился в Нью-Йорке - в Бруклине. Его мать, Матильда, была из Пуэрто-Рико, а отец, Джерард, имел гаитянские корни. Благодаря этому Мишель с детства свободно говорил на французском, испанском и английском языках, читал книги, в том числе поэзию символистов, мифы и историю. Уже в раннем возрасте он проявил способности к искусству, и его мать поощряла эти стремления.

В 1977, в возрасте 17 лет, Баския и его друг Al Diaz начали рисовать граффити на стенах зданий в Манхеттене, подписываясь «SAMO» или «SAMO shit».

В 1978, Баския покидает дом, живёт с друзьями, подрабатывая продажей футболок и открыток на улице. Также в конце семидесятых Баския с товарищами организует группу Gray, которая играет в различных клубах Манхеттена.

В июне 1980 Баския принимает участие в The Times Square Show, коллективной выставке художников. В 1981, поэт и арт-критик Рене Ричард (Rene Ricard) опубликовал статью «The Radiant Child» в журнале Артфорум, которая способствовала международной карьере Баския. На протяжении нескольких следующих лет Баския продолжает выставлять свои работы в Нью-Йорке.

С 1982 Баския регулярно выставляется с Джулианом Шнабелем, Франческо Клементе и Энцо Кукки, группой художников, которую арт-критики, кураторы и коллекционеры вскоре назовут неоэкспрессионистами.

Последний период, с 1986 до смерти в 1988, отмечен новой манерой и новыми образами.

Его карьера не продлилась и десяти лет – с 1979 по 1988; за это время Жаном-Мишелем Баския было создано несколько сотен картин и тысячи рисунков, лучшие из которых заняли свои места в таких галереях, как Музей Уитни (Whitney Museum of American Art) и Бруклинский музей (Brooklyn Museum).

БАСКИЯ И УОРХОЛ

В 1982 Баския познакомился с и они вместе создали много совместных работ. Они работали вместе, влияли на творчество друг друга. Баския увлечен работами, но, даже проводя все свое время в студии с Энди, он всегда возвращался домой и продолжал рисовать в одиночестве. Баския показывает Уорхолу примеры своих работ, и Уорхола потрясают рисунки молодого художника. Они становятся друзьями. Именно Энди ввел его в самое сердце богемной артистической среды.

Их дружба кажется символичной – как старейшина авантгарда, Уорхол дает Жан-Мишелю несколько хороших советов относительно продажи работ. Уорхол по-отечески относится к Баския, дает советы о здоровых привычках и упражнениях.

На вопрос, как Уорхол повлиял на молодого художника, Баския ответил: «Я теперь все время ношу чистые брюки».

С 22-го февраля 1988 года, после смерти своего близкого друга, Энди Уорхола, Жан-Мишель погрузился в депрессию и изолировал себя от окружающего мира. Жан-Мишель начал принимать героин, он умер от передозировки в возрасте 27 лет.

Сегодня работы Жан-Мишеля – одни из самых дорогостоящих в мире. До 2002 года наивысшей ценой, уплаченной за работу Баския, было 3 302 500 долларов. 14 мая 2002 «Profit I» Баския была выставлена на аукцион и продана за 5 509 500 долларов. В мае 2007 работа Баския «без названия» 1981 года была продана на аукционе за 14,6 миллионов долларов.

16 мая 2013 года картина «Затуманенные головы» была продана за 48,8 млн долларов на аукционе в Нью-Йорке.

Нередко случается, что картины художников после их смерти в разы возрастают в цене. Не стал исключением и современный темнокожий художник из Бруклина (США) Жан-Мишель Баския , умерший в 27-летнем возрасте. Его работа «Без названия» (1982) на прошлогодних майских аукционных торгах Sotheby’s была продана за баснословную сумму - 110 500 000 долларов . Это самая дорогостоящая картина, когда-либо проданная на арт-рынке и получившая первенство в рейтинге американских художников. Она же занимает и 11 место в топе самых дорогих художественных произведений мира.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0-mishel-018.jpg" alt="Юсаке Маэзава со своим приобретением в 110 миллионов долларов." title="Юсаке Маэзава со своим приобретением в 110 миллионов долларов." border="0" vspace="5">

Жан-Мишель Баския - «черный Пикассо».

Title="Жан-Мишель
Баския." border="0" vspace="5">

Жан-Мишель
Баския.

Жан-Мишель Баския(Jean-Michel Basquiat) родился в 1960 году в Нью-Йорке. В четыре года мальчишка уже умел писать, а к одиннадцати владел тремя языками. Еще совсем юным начинал свою художественную карьеру с граффити и стрит-арта, а еще увлекался музыкой. В 22-летнем возрасте судьба его свела с Энди Уорхолом, объединившись с которым создали множество совместных проектов. И невзирая на большую разницу в возрасте и мастерстве, они стали близкими друзьями.

Особенностью творений художника является стиль неоэкспрессионизма, в котором соединились и граффити и наскальная живопись, а тематикой его творчества были личные переживания, связанные с положением чернокожих в США в 80-е годы.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0-mishel-021.jpg" alt="Жан-Мишель Баския." title="Жан-Мишель Баския." border="0" vspace="5">

Звезда темнокожего художника, вспыхнув ярко и стремительно, так же быстро и угасла. Однако он успел оставить после себя наследие, которое оценено в десятки миллионов долларов.

Согласно статистике картина «Profit I» в 2002 ушла с молотка за 5,5 $ млн. В 2007 году безымянная картина продана была на торгах за 14,6 $ млн. В 2013 году полотно «Затуманенные головы» было продано за 48,8 $ млн.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0-mishel-001.jpg" alt="Собака. (1982).

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219413676.jpg" alt="Логотип. (1984).

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0-mishel-006.jpg" alt="Ринг. (1981).

1. Пабло Пикассо. Сон — $155 миллионов

Эту работу мастер написал в 1932 году в своём замке Буажелу, расположенном в 63 км от Парижа. Позировала ему Мария-Тереза Вальтер, бывшая на то время единственной его моделью, героиней и музой. «Сон» был создан в так называемый «период сюрреализма», один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Среднего размера холст (130х97 см) впервые был выставлен на продажу на аукционе Christie"s 11 сентября 1997 года и ушёл с молотка за $48,4 миллиона. Спустя 9 лет картина вновь появилась на арт-рынке, но уже со стоимостью в $139 миллионов. Однако перед самой продажей произошло непредвиденное происшествие. Владелец картины Стив Уинн за день до обмена на уже обговоренную сумму, стоя спиной к картине, рассказывал своим гостям о жизни художника. Он был настолько увлечён своим рассказом и так эмоционально заряжен, что всё время жестикулировал. И вот в очередном порыве Стив Уинн неожиданно правым локтем попал в картину и порвал её. Естественно, сделка отменилась, а картина ушла на реставрацию. В конце марта 2013 года стало известно, что прежний претендент на картину Стивен Коэн, тот самый, который после «порчи» полотна отказался от его покупки, вновь заявил о своём желании купить отреставрированный шедевр. На этот раз всё прошло гладко, и «Сон» Пикассо был продан за рекордные для этого живописца $155 миллионов (Стивен Коэн выразил мнение, что после реставрации картина стала лучше, и сам накинул $16 миллионов сверху). Дороже Пикассо ещё никто не покупал.

2. Фрэнсис Бэкон. Три этюда портрета Люсьена Фрейда — $142,4 миллиона

Эта работа была написана художником в 1969 году в Лондонском королевском колледже искусств. Изображён на ней другой британский живописец и близкий на тот момент друг Бэкона Люсьен Фрейд. Каждая часть триптиха имеет одинаковый размер 198x147,5 см. Впервые он был показан на выставке в Турине, в Galleria d’Arte Galatea. В середине 70-х годов прошлого века три части триптиха после выставки в Гран-Пале разъехались в разные стороны — Рим, Париж и Японию, и лишь в конце 80-х усилиями итальянского коллекционера из Рима Франческо де Симон Никеса были снова воссоединены и показаны в 1999 году в американском Йельском центре британского искусства. 12 ноября 2013 года в течение 6 минут триптих был продан на аукционе Christie"s за рекордную для открытых торгов цену — $142,4 миллиона. Изначально имя покупателя не сообщалось, но через некоторое время оно всё же стало известно. Вопреки предполагаемым слухам, по которым работу английского художника купила сестра эмира Катара Аль-Маясса-бинт-Хамад-бин-Халифа-аль-Тан и, на самом деле счастливой обладательницей триптиха Фрэнсиса Бэкона «Три этюда портрета Люсьена Фрейда» стала 70-летняя Элейн Уинн, бывшая жена американского магната Стива Уинна, того самого, который проткнул локтем Пикассо.

3. Барнетт Ньюман. Свет Анны — $106 миллионов

У Барнетта Ньюмана всего девять публичных продаж (в отличие от того же Пикассо, у которого их уже было 359), что не мешает этому американцу состоять в элитном дивизионе самых дорогих художников. Собственно у Барнетта Ньюмана не так много и произведений для продажи — всего 120, поскольку все свои ранние работы он в 1940 году самолично уничтожил. Полотно «Свет Анны», написанное Ньюманом в 1968 году и названное так в память о своей матери, умершей в 1965, является самым большим из всего творческого наследия художника. Его размеры действительно впечатляют — 610,5x275 см. Для Ньюмана это было очень важно, он придавал размеру особое значение, как основному компоненту визуального опыта. Ну и конечно нельзя забывать про массив красного цвета, который накатывался художником в несколько слоёв, чтобы достичь нужной насыщенности и сделать его для зрителя физически осязаемым, доминирующим над ним. Человек сталкивался художником с волной неделимого цвета, что по его мнению, и должно было стать конструктивным началом нового мира, потому что, по словам самого Ньюмана, «человек — существо трагическое, и суть этой трагедии кроется в метафизической проблеме части и целого».

4. Энди Уорхол. Серебряная автокатастрофа (Двойная авария) — $105,4 миллиона

Эта работа короля поп-арта, датированная 1963 годом, представляет собой холст 250x400 см, на который методом шелкографии (излюбленная техника Уорхола) был перенесён и размножен взятый из газеты снимок автомобиля, врезавшегося в дерево. Для этой работы Уорхол использовал серебристую отражающую краску. Это одна из четырёх двухчастных работ Уорхола 1963 года с изображением автокатастроф, где на одной половине запечатлена дорожная авария, а другая представляет собой монохромную серебристую поверхность. Остальные три работы серии под общим названием «Смерть и катастрофы», хранятся в музейных коллекциях США, Швейцарии и Австрии. На мой взгляд, у Уорхола вышла отличная метафора жизни и смерти, когда трагедия соседствует со всеобъемлющей пустотой. Картина уже прошла через коллекции Гюнтера Закса, Чарльза Саатчи и Томаса Аммана, что только прибавляет ей коллекционный вес и увеличивает цену.

5. Джефф Кунс. Собака из воздушного шара — $58,4 миллиона

Наследник Дюшана и яркий представитель симуляционизма в современном искусстве, Джефф Кунс создал в 1990-е годы целую серию скульптур, имитировавших игрушки из продолговатых воздушных шаров. Собак было отлито пять экземпляров. Все они изготовлены из блестящей, полированной до зеркального блеска стали и отличаются друг от друга только цветом. Помимо проданной за $58,4 миллиона оранжевой «Собаки из воздушного шара», существуют ещё пурпурная, красная, жёлтая и синяя. Высота гигантских собак достигает трёх метров, а весит каждая по тонне. Скульптуры из этой серии входят в собрания известных коллекционеров Стивена Коэна, Эли Броуда и Франсуа Пино. После продажи 2013 года Джефф Кунс приобрёл статус самого дорогого из ныне живущих художников.

6. Джексон Поллок. Номер 19 — $58,4 миллиона

Джексон Поллок, работавший в придуманной им же технике дриппинга (разбрызгивания), создал «Номер 19» в далёком 1948 году, когда абстрактный экспрессионизм в Америке только зарождался. При этом надо понимать, что абстрактный экспрессионизм не был каким-то единым направлением со своими стилистическими особенностями, а скорее общей точкой зрения на саму природу искусства — спонтанным выражением внутреннего мира, субъективными ассоциациями подсознания в неорганизованных логическим мышлением абстрактных формах. И в этом смысле Поллок —самый влиятельный проповедник этого движения и абсолютный классик. Его «живопись действия» дала мощный толчок зарождавшемуся новому искусству. Имеющая небольшой размер (78,4x57,4 см), картина Джексона Поллока «Номер 19» была написана в наиболее продуктивный период жизни мастера, незадолго до его первой персональной выставки в галерее Бетти Парсонс, которая стала сенсацией и имела финансовый успех. Как видно теперь, этот успех сопровождает работы Поллока и по сей день.

7. Энди Уорхол. Кока-Кола (3) — $57,3 миллиона

И снова в списке человек, придумавший дискотечный зеркальный шар — Энди Уорхол. На этот раз с оригинальным чёрно-белым изображением бутылки «Кока-Колы» в человеческий рост (176,2х137,2 см), созданным в 1962 году. Считается, что именно с этой работы и началось шествие поп-арта по планете. Многие говорят о том, что Уорхол создал «портрет поколения», выбрав для его изображения на холсте универсальный символ. Сам же мастер объясняет свой выбор так: «Что делает Америку великой, так это то, что самые богатые люди покупают ровно те же товары, что и самые бедные. Ты знаешь, что президент пьет Coca-Cola, Лиз Тэйлор в восторге от Coca-Cola и ты, только представь, ты тоже можешь пить Coca-Cola! Coca-Cola всегда остается той же Coca-Cola, сколько бы денег ты ни заплатил». Справедливости ради надо сказать, что Энди Уорхол был не первым художником, которого вдохновляла бутылка «колы». Известно, что Сальвадор Дали и Марисоль Эскобар также испытывали к ней нежные чувства, но именно Уорхолу удалось создать из неё окончательный шедевр.

8. Рой Лихтенштейн. Женщина в шляпке с цветами — $56,1 миллиона

В основе этой известной небольшой поп-арт работы (127х101,6 см) одноимённая картина Пабло Пикассо 1940 года. По мысли Лихтенштейна, испанский мастер стал объектом поп-культуры ещё при жизни и поэтому он должен теперь принадлежать всем. Пикассо, кстати, был не единственным художником, которого Лихтенштейн «переводил» таким образом на упрощённый язык поп-культуры. Были ещё Моне, Матисс, Леже, Мондриан. Но если основной идеей поп-арта было превращение товара в искусство, то здесь вся ирония заключалась в обратном движении. Таким образом Рой Лихтенштейн, получивший классическое образование в области изящных искусств, «избавлялся» от влияния маститых предшественников, под которые попал ещё в юношестве, иронически переводя их работы в регистр стереотипного массового сознания при помощи кричащих цветов, имитации промышленной типографской печати и эстетики комикса. Но как оказалось, шедевры, превращённые рукой Лихтенштейна в «фальшивку», сегодня возвращаются к нам новыми шедеврами.

9. Альберто Джакометти. Большая тонкая голова (Большая голова Диего) — $50 миллионов

Скульптура Альберто Джакометти, созданная в 1955 году, представляет собой бюст высотой 65 сантиметров, изображающий младшего брата скульптора, который был его любимым натурщиком на протяжении всей жизни. Отлитая из бронзы она предназначалась для установки на уличной площади в Нью-Йорке, но так туда и не добралась. Наряду с его легендарным «Шагающим человеком», эта скульптура также считается знаковой для творчества Джакометти. «Большая голова Диего» — одна из самых радикальных и эмоциональных работ автора. Его своеобразная техника создаёт впечатление незавершённости и символизирует несовершенство мира, а уязвимость, хрупкость и беззащитность человека в образах мастера воплощают идеи экзистенциализма — окружающая среда подобно кислоте разъедает и деформирует поверхность тела, заставляя человека мужественно проживать свою жизнь в вечном движении и вечном поиске лучшей участи. К сожалению, работа над «Большой головой Диего» была приостановлена из-за смерти автора. Так что, по сути дела — это одна из последних работ Джакометти.

10. Жан-Мишель Баския. Затуманенные головы — $48,8 миллионов

Как ни крути, а на неоэкспрессиониста Жана-Мишеля Баскию, певца нью-йоркского андеграунда первой половины 80-х, открывшего для нас мир граффити и умершего в возрасте 27 лет от передозировки героином, работает его яркая и короткая история жизни. Художника наконец-то «распробовали» и теперь ставят в один ряд с Уорхолом и Поллоком, двумя колоссами американского искусства XX века. Это красноречиво подтверждают и аукционные торги. Прошлый максимум на продажу картин этого художника был зафиксирован на отметке $28,97 миллиона. Теперь и она пройдена и, судя по оценкам специалистов, это не предел — цена будет только расти. Картина «Затуманенные головы» (182,8х213,3 см) — ранняя работа художника, написанная им в 1982 году, как раз в то время, когда его увлекали ритуальные маски, скелеты и гаитянские сюжеты, и когда состоялось определившее его дальнейшую жизнь знакомство с Энди Уорхолом, с которым, кстати, он впоследствии создал несколько совместных произведений.